Un film est-il susceptible de devenir nostalgique ? Comme vous l’imaginez, c’est évidemment possible, tout comme une chanson. Nous pouvons toujours nous souvenir de ce film de science-fiction que nous avons vu avec notre père ou de celui retransmit la première fois que nous allâmes au cinéma. Cependant, il y a des films qui évoquent la nostalgie elle-même. Ils cherchent à éveiller ces sentiments en nous. On peut dire que dans ces films l’intrigue importe moins que la force des émotions, l’impact du ressenti sur notre mémoire.

Les couleurs, la musique, les amours brisées, les histoires qui allient fantaisie et réalité qui enveloppent notre âme, faisant de la nostalgie non seulement une intrigue ou un sentiment cinématographique, mais un sentiment personnel.

Before Sunrise (1995), de Richard Linklater

Before Sunrise est le premier volet d’une trilogie sur l’amour et les relations qui se complète de deux autres films : Before Sunset (2004) et Before Nightfall (Before Midnight, 2013). L’idée du film naquit d’une expérience de son réalisateur qui, lors d’un voyage, rencontra une femme avec qui il eut une conversation profonde toute la nuit, et qu’il ne revit jamais.

Le film commence lorsque Jesse (Ethan Hawke), un jeune américain voyageant à travers l’Europe, rencontre Céline, une étudiante française, dans le train Budapest-Paris. Attiré par leur conversation, il lui propose de descendre avec lui à la gare de Vienne pour continuer à faire connaissance jusqu’au départ de son vol de retour aux États-Unis le lendemain matin. La jeune fille accepte et ils déambulent tous les deux dans la ville pendant quelques heures qui marqueront sa vie à jamais.

Before Sunrise dissèque la première phase de l’amour. Comment nous nous découvrons devant l’autre qui nous attire. A partir de cette idée, Linklater créa une histoire sur deux jeunes qui tombent éperdument amoureux dans un train. Le film se clôt sur les images d’une ville solitaire où subsistent les traces des amants, ces bouteilles dans le parc comme « produits de comportement » d’une observation comportementale. La nostalgie apparaît avec l’aube.

Le film propose une narration sur le temps de l’amour qui défend que les émotions ne sont pas rationnelles et que la logique de la pensée ne peut leur être imposée.

Les lois de la frontière (2021), de Daniel Monzón

Les lois de la frontière est une adaptation du roman de Javier Cercas, réalisant un film divertissant sans détails particulièrement remarquables au début, qui gagne en profondeur à mesure que l’on approche de la fin. Le film se déroule à Gérone en 1978, alors que l’Espagne vient de se réveiller d’une dictature de 40 ans.

Dans les premières scènes apparaît Nacho (Marco Ruiz), un jeune homme au caractère calme qui se fait agresser et insulter par des voyous. Au début du film, on voit déjà comment le garçon ne peut échapper à cette souffrance. La vie de Nacho aurait pu être marquée par un traumatisme s’il n’avait pas été curieusement “sauvé” par de petits “défoncés et voleurs”.

En effet, tout le monde ne parvient pas à se trouver dans un cours de “coaching”. Ainsi, Nacho rencontrera un groupe dans lequel pour la première fois il saura ce que sont l’action, l’humour, la nuit, les danses ou le sexe. Ses amis sont de jeunes acteurs qui remplissent l’écran de leur forte présence et de leur charisme. Deux exemples sont Begoña Vargas et Chechu Salgado, comme Tere et Zarco. Ces deux personnages sauvent Nacho de son existence solitaire et dure.

Le fabuleux destin d’Amélie Poulain (2001) de Jean-Pierre Jeunet

Le fabuleux destin d’Amélie Poulain sonne comme un disque d’Edith Piaf. Il vous effleure comme une brise fraîche de mi-octobre. Les couleurs rouges et vertes de Bruno Delbonnel offrent une photo parfaite pour les nostalgiques. Amélie se vit comme une expérience synesthésique.

Il se peut que Le fabuleux destin d’Amélie Poulain soit l’une des dernières œuvres que nous ayons vues avant d’entrer dans la sphère du frénétique et de l’immédiat. Mobile, réseaux sociaux. Beaucoup de monde et très peu d’amis. Manque de contact réel et intime avec les autres.

Amélie est une comédie fantastique sur une jeune femme qui orchestre discrètement la vie des gens qui l’entourent, créant un monde créé exclusivement pour elle. Tourné dans plus de 80 lieux parisiens, le film a séduit critiques et public.

C’est un film de gestes, d’art et d’expérimentation cinématographique. Tout tourne autour de la protagoniste. Sa façon d’appliquer du parfum ou d’enlever la saleté d’un trésor caché (ce qui rendit beaucoup d’entre nous nerveux de ne pas nettoyer immédiatement). Le fabuleux destin d’Amélie Poulain a été la première et la dernière influenceuse capable de créer de la mode et de l’art avec sa façon de marcher, de regarder et de faire rebondir les pierres.

Joué par Audrey Tautou, qui dégage une ambiance bon enfant, mais a une séquence espiègle très en phase avec son sourire narquois qui empêche le film d’être trop léger.

Des milliers de filles copièrent son style, non pas à cause des vêtements, mais à cause de sa manière lente et mystérieuse. C’était définitivement quelqu’un d’original. Cependant, ce qui est original, c’est d’être soi-même, pas de copier une autre personne (bien qu’étant jeune, ces audaces sont excusées). Voir le spectacle du monde dans les petits détails, dans la gentillesse, dans les liens forts.

Aussi fantastique que soit le monde d’Amélie, le film raconte comment deux cœurs battant aux extrémités opposées de la ville peuvent se rencontrer et battre à l’unisson. Seulement 21 ans se sont écoulés, et la nostalgie de retrouver quelqu’un comme Amélie, si occupée avec elle-même et son entourage, grandit plus que jamais.

Edward aux mains d’argent (1990) de Tim Burton

Première collaboration entre Johnny Depp et Tim Burton, Edward aux mains d’argent est un conte de fées moderne et magique aux accents gothiques et une banlieue de costumes et de murs pastel. Un autre monde créé pour stimuler notre imagination, avec une histoire qui nourrit les sentiments les plus forts de la mémoire de cet amour perdu et frustré.

Avec l’esprit illustratif surréaliste de Burton, les performances déterminantes de la carrière de Depp et Ryder et une histoire pleine de simplicité, de complexité et de magie intangible qui résiste à l’épreuve du temps, Edward aux mains d’argent est l’un des plus grands films jamais réalisés. Un vrai classique.

L’histoire raconte l’histoire d’un scientifique (Vincent Price), qui construit un être humain animé. C’est son chef-d’œuvre : l’incroyable Edward (Johnny Depp). Cependant, le scientifique meurt avant de finir d’assembler Edward. Malheureusement, il ne lui donne pas de membres humains.

Le résultat est qu’Edward vivra toujours avec des ciseaux au bout des bras, au lieu des mains. Peg ( Dianne Wiest ), vendeuse de banlieue aimante, découvre Edward et le ramène à la maison, où il tombe amoureux de la fille adolescente de Peg ( Winona Ryder ). Cependant, malgré sa gentillesse et son talent artistique, les mains d’Edward font de lui un paria de la société.

Cinéma Paradiso (1989) de Giuseppe Tornatore

S’il y a un film sur la nostalgie, c’est Cinema Paradiso. L’hommage au cinéma sous forme de film est une pure nostalgie de l’ancien écran. A cause de la nécessité de se déplacer pour aller au cinéma du coin, pour regarder une histoire pendant qu’une autre se déroule probablement. Une image parfaite d’une époque où le cinéma était la seule source de rire et de joie.

La scène des “baisers censurés” est peut-être l’une des scènes qui capture le mieux la nostalgie d’un temps révolu. On dit que le monde ne se regarde qu’une seule fois, dans l’enfance, et que le reste n’est que mémoire. Et cela arrive au protagoniste.

“Cinema Paradiso” de Giuseppe Tornatore se déroule en Sicile dans les dernières années avant la télévision. Il a deux personnages principaux : le vieil Alfredo (Philippe Noiret), qui dirige la cabine de projection, et le jeune Salvatore (Salvatore Cascio), qui fait de la pirogue sa maison loin d’un foyer sans amour.

Le garçon regarde avec étonnement alors qu’Alfredo se débat avec la machine qui projette les images de ses rêves sur l’écran. Au début, Alfredo essaie de chasser Salvatore. Mais finalement il le considère presque comme son fils. Salvatore considère certainement le vieil homme comme son père et le cinéma comme sa mère.

L’histoire est racontée comme un flashback. Cela commence avec un réalisateur de premier plan (Jacques Perrin) apprenant à Rome que le vieil Alfred est mort et entreprend un voyage sentimental vers sa ville natale. Là, il se souviendra de son premier et grand amour. Il verra le film que le vieil Alfredo lui laissa en cadeau posthume et qui constitue la scène la plus nostalgique que l’on puisse voir au cinéma.

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